¡La primera película expresionista...!

Das Kabinet des Dr. Caligari

Esta película es citada como la primera que introdujo la vuelta de tuerca en el cine. Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA. Destacan los decorados distorsionados, que crean una atmósfera amenazante, por lo que es considera una de las mejores películas de terror de todos los tiempos Con El Gabinete del Doctor Caligari podemos hablar de la primera película claramente expresionista. Se inicia así un periodo dentro del cine mudo alemán en el que directores como Lang, Murnau o el propio Wiene, mostraran en la pantalla un reflejo distorsionado de la realidad. Esto permite los excesos en las interpretaciones y la simbología propia del cine expresionista.

Toda la película transmite una atmósfera inquietante. En este sentido es estupenda la primera aparición de Cesare el sonámbulo, mostrando una actitud amenazante con uno de los asistentes a la atracción del Dr. Caligari. Se convertirá en su próxima víctima.

Una buena muestra de lo que es el cine expresionista queda plasmado en las secuencias de las huidas tanto de Cesare como del Dr. Caligari a través de esos decorados arquitectónicos irreales y fascinantes.

El cine expresionista influenció a otros géneros cinematográficos, pero de forma muy especial al cine negro. Viendo esta película se reconocen muchas similitudes entre ambos: el inicio de la narración con un Flash-back, la iluminación tenebrosa o el uso de las sombras. 

Un buen ejemplo de esto último, se ve en la secuencia que nos muestra el segundo asesinato con un fuera de campo y proyectando su sombra en la pared. Crea más angustia el hecho de apartar la cámara que el ver el asesinato de forma explícita.

Cabría resaltar algunos aspectos del montaje que sorprenden,algunos cambios de secuencia utiliza unos fundidos de entrada y salida muy originales. También en varios planos oscurece gran parte del fotograma para crear encuadres más pequeños y señalar acciones determinadas.

                    

La película se caracteriza por la estilización de los decorados (retorcidos y con ángulos imposibles), la forma exagerada de actuar y el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Hay también un curioso uso de máscaras para hacer fundidos en negro progresivos, destacando una parte de la acción.

Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera, se genera una sensación de angustia y de opresión casi constantes; nos encontramos ante un mundo puntiagudo y lleno de ángulos, constantemente amenazador. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes, como en su comienzo, al aparecer la chica que resalta del fondo. Se nota que hay un uso de luces artificiales.

Bibliografía:

• https://www.google.com.co/search?hl=es&site=imghp&tbm=isch&source=hp&biw=1440&bih=775&q=el+gabinete+del+doctor+caligari&oq=el+gabin&gs_l=img.3.0.0l10.1960.3080.0.4204.8.8.0.0.0.0.125.864.0j8.8.0....0...1ac.1.58.img..0.8.863.qcsbLx3hr_M
• http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article704.html

Psicosis 448

Psicosis 448 habla de una mujer que tiene un amor platónico, en el que no recibe la reciprocidad que espera, lo que hace que entre en un profundo sentimiento de desilución. Esto va estrechamente ligado a la carencia de sentido que tiene su vida y que al unirse con el sentimiento de rechazo por parte de su ser amado desembo en un deseo de acabar su vida con un suicidio a las 4:48 pues es en este punto en el que su lucidez está en su mayor punto. Además, se muestra un constante duelo en el que ella se encuentra, cuestionando varios aspectos de su vida, para tomar finalmente la decisión de suicidarse, esperando no tener que encontrarse con una vida más allá, pues está ha sido lo suficientemente tormento par atener que vivir una más. Sin embargo entiende que el hecho de morir es empezar una vida diferente y mejor, pues lo que ha hecho en vida no ha sido realete vivir para ella.

 

 Todo lo visto en esta historia no es más que la muestra nuevamente de que el hastio puede llevar a límites inimaginables que para este caso es el suicidio. La protagonista de esta historia refleja que su vida carece de sentido y lo único que la sacaba del hastio en el que se encontraba, era su ser amado, pues este le generaba placer en cada uno de sus encuentros, pues era el único que no la trataba como si estuviera enferma y tenia en cuenta su hmanidad. Sin embargo, a lo largo de la historía se evidencia que en un punto de su vida, lo único que le generaba placer se convierte en su mayor hastio y muy seguramente, el más intenso y significativo de todos. Esto últio hace que en absoluto pierda relevancia cada acto y pensamiento. Con respecto al expresionismo, este intenta sacar a sus espectadores de este hastio mediante el arte, desde pequeños momentos que duran para siempre y hacen que la vida sea la mejor experiencia de todas. Además de reflejar la realidad interna de las personas, llevado a que no sea necesaria la muerte o el suicidio, pues es la mejor manera de expresar lo que se está sintiendo sin hacerdaño a los demás y a sí mismo.

La noche estrellada- Vincent Van Gogh

Es impresionante la belleza que la mente humana puede transmitir, incluso, en su mayor momento de decadencia. Fue Vincent Van Gogh, quien trece meses antes de su inesperado suicidio, en medio de alucinaciones y ataques epilépticos, quiso expresar su animo eufórico, recreando su magnum opus (obra maestra) "La noche estrellada". En un pleno día de 1889, Van Gogh, pintó de neta memoria lo que observaba en las noches por la ventana de el manicomio Saint-Remy. En esta obra destaca la técnica que usó para expresar la naturaleza de lo que él veía, trazos en espirales para exhibir el cielo y las estrellas, en primer plano dibujo los cipreses, tomando como inspiración a Daurat y las estampas japonesas. Los tonos que Van Gogh utiliza en ésta, son  los tonos predominantes en casi todas las obras de la primavera del 89: malvas, morados y amarillos, colores que expresados por este hombre daban la impresión de percibir su infortunada recaída.

Contexto Económico

CONTEXTO ECONÓMICO 

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos X o bien la primera fisión nuclear, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas).



Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dieron a la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones mucho más aceleradas.

Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas, en su función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban "un arte nuevo para un mundo nuevo". Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano...

Y por otra parte, la crisis económica en que se ve sumergida Alemania durante y tras las guerras mundiales, influye de manera directa en cada una de las obras desarrolladas durante esta vanguardia.

'El grito': Autor y pintura (relación - análisis).

     “… de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve (…) mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.”

Edvard Munch y su obra ‘El grito’ (1893), muestran de forma concreta la idea principal de éste movimiento artístico, representando el fuerte desaliento del hombre moderno a partir del fin del siglo XIX  e inicios del siglo XX, con varios antecedentes adoptados de Vincent Van Gogh, en cuanto a técnicas artísticas se refiere. Pintó ‘El Grito’ en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las sublevaciones sociales. En la pintura se puede analizar una doble postura frente al significado: por un lado, el autor pretendía plasmar una realidad personal, inevitable; y por el otro, identificar y concretar una crítica a la realidad socio-política que se veía en la época, gracias a las desigualdades económicas y demás de la Revolución Industrial.  Ésta última fue un hecho histórico que marca un antes y un después no solo en la historia del pensamiento social y político, sino además, como fundamento en la forma organizacional de las sociedades a través de la historia.

     “Lo que está arruinando el arte moderno es el comercio, al exigir que los cuadros se vean bien una vez que se los cuelga en la pared. No se pinta por el deseo de pintar o con la intención de pintar una historia. Yo que fui a París hace siete años lleno de curiosidad (…) estaba dispuesto a dejarme llevar por el entusiasmo, lo que sentí fue sólo repugnancia.”    

–Edvard Munch refiriéndose a la realidad francesa de la época.

     Se dice que el lugar en el que se desarrolló la pintura, era un mirador donde se inspiraban muchos artistas viendo el paisaje de  Kristiania, Oslo. Un lugar de numerosos suicidios donde incluso uno de los amigos de Munch, se quitó la vida; también se podía observar un manicomio.

La temática de este estilo no le da relevancia a la sensación de los colores o a la armonía de sus mezclas, sino al planteamiento de conflictos íntimos (soledad, dolor, tristeza y amargura) que poseen un significado angustioso y desgarrador.

     Munch después de pasar esa tarde misteriosa, sintió la necesidad de plasmar un grito. Un grito que no sólo debía expresar palabras ni ser escuchado, sino que para él el grito venía de todo lo que lo rodeaba.

En su esmero por originar dicho grito que atravesaba la naturaleza y que el autor pudo percibir, las circunstancias se dieron y así consiguió motivarse en crear una obra de arte. Aquel melancólico atardecer, y todos los problemas producidos a lo largo de su vida, daban vueltas en su mente, lo perturbaban, de tal manera que todo contribuía  a que aquel grito mudo se estructurara encerrado en el lienzo.

     Varias de sus  obras nos reflejan su angustiosa vida marcada desde la niñez. Perdió y vio morir a su madre cuando era un niño aún, su hermana sufría de un trastorno bipolar y fue internada. Murió cuando Munch tenía 15 años. Adicionalmente, la convivencia con su padre fue muy compleja y suscitaba una barrera de mala comunicación.

De  los diversos problemas y cuestiones familiares, sin olvidar los propios, nació su personalidad conflictiva y  desequilibrada, la cual hizo que él mismo se internara en un hospital mental. Sin embargo consideraba que dicho trastorno era gracias a su genio.

Sus obras  se enfocaban sobretodo en angustias y temas existenciales, que de cierta manera, le ayudaba a liberarse y relajarse de su carga cotidiana, y ‘El grito’ es un claro y absoluto ejemplo de aquella liberación. Esos  sentimientos y tragedias humanas se resumieron en una serie de pinturas que llamó ‘El friso de la vida’, donde pueden observarse tres temas principales: el amor, la angustia y la muerte.

     Es importante señalar que luego de un análisis de libros personales del artista y estudiar diversos impactos topográficos de la época, se  llegó a la conclusión que el cielo rojizo del lienzo, se debe a las erupciones del volcán Krakatoa, en Indonesia, producidas en 1883. Los gases expulsados por el volcán llenaron la atmósfera de Noruega desde noviembre de 1883 hasta febrero del año siguiente.

Hasta ahora se había creado una idea errónea  de que la única fuente de inspiración para ese cuadro tan inquietante había sido la muerte de sus familiares, sin embargo, las erupciones del volcán, inspiraron el contenido dramático de su más famosa obra.

Contexto Socio-político

CONTEXTO SOCIO-POLÍTICO 

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras(1918-1939). 

La burguesía es acusada de ser responsable de la falsa vida social, del fracaso de la empresa humana... Si para existir es necesario querer existir, esto indica que en el mundo hay fuerzas negativas que se oponen a la existencia. La existencia es autocreación, pero si el mecanismo del trabajo industrial es anticreativo, entonces también es destructivo. Destruye la sociedad dividiéndola en clases dirigentes y dirigidas; destruye el sentido del trabajo humano separando idelización y realización, y acabará por destruir la humanidad entera con la guerra. Empezarlo todo desde el principio significa rehacer "de pies a cabeza" la sociedad.

Así se comprende por qué los expresionistas alemanes insisten hasta la obsesión en el tema del sexo; la relación hombre-mujer es la que fundamenta la sociedad y es precisamente esto lo que la sociedad moderna deforma y convierte en una cosa perversa, negativa y alienadora. La sociedad industrial oscila sin parar entre la alternativa de voluntad de poder y el complejo de frustración; sólo de la condena total del trabajo no creativo impuesto a la humanidad puede surgir una nueva civilización. Sólo el arte, como trabajo puramente creativo, podrá realizar el milagro: volver a convertir en belleza lo que la sociedad ha "pervertido" y ha convertido en feo.

De aquí surge el tema ético fundamental de la poética expresionista: el arte no es sólo disensión respecto al orden social establecido, sino voluntad y compromiso de cambio.

Es por ello que en Alemania las obras expresionistas eran perseguidas por el nacional socialismo (movimiento nazi) y  eran también, consideradas arte impuro.

Expresionismo y Hamlet Machine

  El "Hamlet Machine" es una pieza que exorciza la mente de su personaje principal, mostrando sus conflictos internos y narrando como a medida que avanza la obra, su protagonista pone en una tela de juicio, cada vez más inestable, la realidad por la que se ve rodeado, dejando de sentirse identificado con ella y recurriendo a un mundo irreal donde las pasiones y deseos de su ser se reflejan en distintos ámbitos; un mundo que solo es existente en su mente y únicamente alcanzable en la muerte.

El Expresionismo es una vanguardia artística, mediante la cual se refleja el alma, sus emociones y principales preocupaciones existencialistas en medio de un entorno o sociedad que únicamente causa sentimientos de desespero e inconformidad. En la pintura, esta vanguardia muestra los paisajes como los sentimientos que fluyen en el ser, donde se encuentran sus emociones y pensamientos que van al margen de lo real e incluso recurriendo al mundo irreal como una salida. Esta vanguardia propone de manera artística una cura para el espíritu.  

“Hamlet machine” de Müller  da cuenta de la imposibilidad del sujeto de representarse a sí mismo. La desidentificación en la que cae al instante de producirse un choque entre lo real y lo irreal, es el punto de quiebre en el que se ve desposeído de su propia esencia, imposibilitado de realizar un desarrollo completo de su estado, de comunicar por medio de la palabra la limitación de su mundo interno, ya que se halla impedida por el apego mantenido al mundo sensible y mundano, recayendo en el conflicto de si las cosas que ve son reales o si simplemente está llegando al borde de la locura por incomprensión o desacuerdo con la realidad, siendo esta totalmente insatisfactoria y con única salida su amada Ofelia.

"Ser o no ser he ahí el dilema" - Hamlet-  W. Shakespeare

Esta obra literaria se puede entender en su totalidad expresionista, puesto que tanto en el escrito de "Hamlet Machine"  como en la vanguardia, tratan de expresar las verdaderas emociones del ser. La obra, no solo muestra sólidamente las preocupaciones del personaje principal, también da a entender la visión que este tiene de un mundo paralelo, donde sus preocupaciones son nulas y su ser alcanza el confort propio; estos rasgos son característicos del expresionismo, donde no solo se busca transmitir a los demás emociones propias, sino que también se busca la libertad espiritual, la cual no se haya  en el mundo físico y tangible, sino en el irreal e transcendental.